不知道你有沒有經歷過這種「崩潰時刻」：辛辛苦苦拍了一支 Vlog，或者錄好了一集 Podcast，畫面調色美得像電影，但在剪輯軟體裡播放出來時，總覺得聲音「怪怪的」、「不太對勁」。
視覺不好看，一眼就能識破；但聲音這東西很陰險，它是一種隱形的敘事。做得好，觀眾會不知不覺看下去；做得爛，質感直接掉到谷底，整場尷尬。
我看了不少音訊工程的分析，也經手過無數災難現場。發現大腦對「好聲音」的判斷，跟新手的直覺往往是相反的。如果你不想讓心血白費，這幾個地雷千萬別踩。
1. 別把環境音殺光（潔癖式降噪）
很多新手有「聲音潔癖」，一聽到錄音裡有冷氣聲或一點底噪，就緊張得把降噪插件（Denoise）開到最大。
相信我，絕對的靜音是很恐怖的。人耳在現實世界聽不到「零底噪」。當你把雜音抹得乾乾淨淨，人聲會變得乾澀，聽起來像在水底說話，還帶著一股機械味。
老手的做法： 留一點 Room Tone（環境音）。它就像剪接的黏著劑，能讓不同的剪輯點銜接得更自然。記住，降噪是為了「降低干擾」，不是要消滅大自然。
2. 響度戰爭早就結束了
別再盲目追求「大聲」。80 年代那種為了抓耳而把音量推爆的「響度戰爭」已經過時了。像是 Metallica 2008 年那張被罵慘的專輯，就是因為推得太過火，導致嚴重的失真。
大聲不代表好聽。過度壓縮會犧牲聲音的層次，讓聽眾產生「聽覺疲勞」。如果你的 Podcast 從頭到尾都在轟炸耳膜，聽眾撐不過五分鐘就會想關掉。
現在是串流平台說了算。YouTube 和 Spotify 都有響度標準（通常是 -14 LUFS）。學會看 LUFS 響度表，給聲音一點呼吸空間，聽眾才會舒服。
3. 留給講者一點喘息的空間
剪訪問或 Podcast 時，有些人控制慾很強，看到波形裡有「呃…」、「啊…」或者明顯的換氣聲，就想通通剪掉。
但人是需要呼吸的。把所有氣口剪光，講者聽起來會像 Siri 或某種過時的 AI 語音，完全沒了人味。適當的停頓和呼吸其實是給大腦緩衝，讓聽眾有時間消化你剛剛說了什麼。
你可以用 Crossfade（交叉淡入淡出）讓剪接點平滑一點，但別讓講者變成一台機關槍。
4. 別讓音量像坐雲霄飛車
這是最常見的體驗殺手：背景音樂大到蓋過人聲，或者 A 講話像蚊子叫，B 一開口卻震耳欲聾。聽眾得不停地調整音量旋鈕，這非常消磨耐心。
對白永遠是主角，音樂只是配角。用壓縮器（Compressor）控制一下動態，確保小聲的地方聽得清，大聲的地方不爆音。想像你是在調度一場演出，每個人該站什麼位置，都要清清楚楚。
5. 放棄「後期再救」的幻想
“Fix it in Post” 是後製人員聽過最心碎的話。
別以為現在 AI 強大到可以點個鍵就化腐朽為神奇。如果錄音時麥克風放太遠、環境太吵，後期怎麼救都有極限。Garbage In, Garbage Out（垃圾進，垃圾出）是永遠的鐵律。
與其後期花 10 倍的時間補救，不如前期多花 5 分鐘把麥克風擺對位置。
說在最後
現在 AI 確實能幫我們處理很多技術上的「乾淨」，甚至連 360 度的沉浸式音效都快普及了。但剪輯師會失業嗎？我不覺得。AI 能幫你修掉雜音，但它感覺不到一段對話的節奏感，也判斷不出哪種語氣最能打動人。
好的聲音剪輯是「透明」的。當聽眾忘了你在剪輯，只是單純地跟著情緒走，那你就成功了。
如果你覺得以上講的理論太深，或者不想自己逐個 Parameter（參數）去試，又想將作品提升水準，不妨找我們團隊聊聊。
